Didier Lockwood est l’un des jazzmen français ayant contribué à faire reconnaître l’école de violon jazz française dans le monde. Issu de la génération de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, il est actuellement vice-président du Haut Conseil de l’Education Artistique et Culturelle. Échange autour de son expérience avec le CMDL, l’école de violon et de musiques actuelles qu’il a créée il y a maintenant onze ans en parallèle de sa carrière.

Un peu avant de débuter l’interview, on apprend que Didier Lockwood été mandaté par le ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, pour travailler sur la démocratisation de l’enseignement musical en France, notamment sur les conservatoires. L’occasion d’un échange vivifiant autour d’un certain nombre de questions essentielles pour appréhender les évolutions de l’industrie du disque, et de l’éducation à cette discipline.

“Le ministre m’a mandaté pour cette mission qui consiste à travailler sur les conservatoires et j’ai demandé d’élargir cette mission à l’Éducation Nationale. A cette occasion, un groupe de mission a été constitué avec d’illustres représentants des diverses esthétiques musicales : Jean-Claude Casadesus (chef d’orchestre), Claire Gibault (chef d’orchestre), Michel Jonasz, Manu Katché, Andy Emler (jazz contemporain), Bruno Montovani (compositeur contemporain et nouveau directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris)… Les préconisations sont à rendre en début d’année 2011. A la suite de ce travail et l’acceptation des préconisations par le ministre, un travail approfondi sur les contenus pédagogiques sera engagé. Ces changements devraient toucher le cœur et l’esprit de l’enseignement des arts puisque cette mission, si elle réussit devra s’étendre à l’ensemble des enseignements artistiques.” (Didier Lockwood)

Je propose des préconisations optimales, qui vont dans le sens de la mission dont on m’a chargé. Ce qui est pratique, c’est qu’elles peuvent êtres mises en œuvre progressivement. C’est une réorientation où nous pourrions préconiser le rééquilibrage entre les musiques dites classiques, contemporaines, écrites, et les musiques dites populaires (musiques actuelles, improvisées, traditionnelles, amplifiées…)

C’est une réorientation où nous préconisons la réintroduction des musiques actuelles à la même échelle que les musiques dites “savantes”. Le but étant de faire en sorte que les conservatoires ne soient plus des îlots principalement consacrés à la musique écrite, patrimoniale, musique d’interprétation mais qu’ils puissent s’ouvrir aux techniques d’apprentissage oral et du senti que nous proposent les musiques actuelles et improvisées. Il serait donc possible et souhaitable de repenser à une formation initiale adaptée tel un tronc commun entre les deux apprentissages jusqu’à aujourd’hui distingués.

Dans le souci de préserver un niveau d’excellence, les parcours des élèves permettront de s’engager à partir du deuxième cycle de l’enseignement vers une spécialisation tout en distinguant ceux qui souhaiteraient s’engager dans une voie professionnelle et ceux qui voudraient s’engager dans une voie amateur.

La transversalité qui aura été créée au niveau de la formation initiale permettra à ces élèves de posséder l’ensemble des valeurs dont un musicien a besoin aujourd’hui, au 21ème siècle et devrait permettre aussi de développer et d’élargir les filières professionnelles des musiciens.

Dans le cadre de cette orientation, les pratiques d’ensemble devraient être favorisées et à travers un travail studieux et sérieux, trouver les points d’accroche du plaisir musical.

Cet énorme chantier devrait amener à une restructuration qui pour moi tient plus au rééquilibrage qu’à la remise en cause d’un système. Le souci permanent de nos travaux est de donner à ceux qui sont au cœur du processus (les enseignants) un nouvel élan pour pouvoir peut-être transmettre leur savoir avec une meilleure écoute et un meilleur impact. Tout ceci ne pourra pas se faire sans la prise en compte de la réalité des enseignants et de comment les intégrer dans un nouveau dispositif sans qu’ils s’en sentent rejetés. Tout cela se fera en concertation avec le corps enseignant, sans remise en question de leurs compétences respectives.

Si je suis ma lettre des mission, qui naît un peu de l’exemple de l’Histoire des Arts (obligatoire depuis peu) cette réflexion sur la musique pourrait être la pierre fondamentale d’une remise en question de l’ensemble des enseignements artistiques en France dans un esprit de totale transversalité. Peut-être pourrions-nous penser, à l’instar de l’Histoire des Arts aux “Écoles des Arts”…?

10-15 ans. Il faut considérer cette étape comme une réorientation. Le parc d’enseignants dont nous disposons comporte deux générations différentes, il suffira d’apporter aux uns et aux autres le soutien nécessaire à leur participation à ces éventuelles préconisations.

D’autres points sont abordés par cette mission comme le rôle pédagogique des orchestres symphoniques, se mettre au service de la transmission et de la sensibilisation en déplaçant les orchestres dans les écoles et entreprises mêmes, ce qui se fait déjà beaucoup en Angleterre. Organiser des résidences dans les écoles… plus qu’une mission de représentation, c’est une responsabilité éducative qui est intégrée depuis longtemps dans le cahier des charges de multiples pays européens.

Cela va de soi. Le numérique sera enseigné dès le cycle initial. Dans les cycles spécialisés, ce domaine concernera surtout les musiques actuelles qui utilisent énormément ces supports pour la création autant que pour la promotion.

Lors de la mise en place des contenus des programmes LMD, j’ai fortement insisté sur l’intégration du numérique. En effet, il est indispensable que les cursus classiques s’acclimatent à cet outil, nous sommes d’accord. Ne serait-ce que du point de vue de l’auto-promotion et de l’auto-production.

Les conservatoires commencent à intégrer les musiques improvisées ou actuelles dans leurs section jazz. Nous, au CMDL, essayons de travailler sur un réservoir d’étudiants qui ne soit pas trop important. Ce qui nous importe est d’avoir une relation humaine et qualitative avec les élèves. Nous n’intégrons jamais plus de dix élèves par année par classe. Une cinquantaine d’élèves en tout. Nous n’avons pas de cahier des charges, ce qui nous permet de procéder de la manière que l’on veut. Nous avons une manière extrêmement spécifique d’enseigner et l’on voit en dix ans les résultats que cela a donné. C’est en ce sens qu’il est indispensable que l’on nous accepte dans le cycle de l’enseignement supérieur. Notre statut d’établissement privé nous pose problème quant à cette intégration. Nous essayons de rester dans une réalité populaire. L’aspect élitiste qu’on donne au jazz nous dérange. Réalité populaire ne veut pas dire négliger l’exigence de l’excellence. Populaire n’est pas péjoratif.

Quand on enseigne le jazz comme étant une forme “savante” c’est-à dire dans un format élitiste on néglige les valeurs fondamentales (le groove, la danse, le placement rythmique, l’”entertainement”…) qui font de cette musique un art majeur.

En effet, il ne fallait pas qu’elle réponde au critère de musique populaire qui est un terme péjoratif en France. C’est là que le bât blesse et ce que vous soulevez est très important et il faut le mettre en avant car tout ce qui fait référence à l’enseignement en général, et pas seulement de l’art, tout ce qui fait appel à notre animalité, à nos instincts est mis de côté et éclipsé par l’intellect et le cérébral dans notre système actuel. L’animalité et l’instinct ne sont pas reconnus comme des connaissances ou des sciences alors qu’à mon avis, la reconnaissance ou la connaissance de nos instincts est sûrement la plus grande des sciences. Un certain nombre d’études a été fait sur l’improvisation et elles montrent que les personnes qui font du rythme de manière intuitive – ce que l’on appelle la danse intérieure – travaillent sur des algorithmes très élaborés. L’instinct est notre force la plus véridique. Je pense que notre intelligence et notre intellect sont là pour lire les secrets de notre instinct et le transcender.

Le mot “conservatoire” comporte ce terrible aveu : on sépare l’homme. C’est le romantisme qui a voulu ça. C’est tout à fait contraire au concept de la musique dans sa dimension de langage universel.

Ma première intention était de perpétrer cette école de violon jazz français qui est constituée de Stéphane Grappelli, Michel Warlope, Jean-Luc Ponty, moi-même…

Avant de faire du CMDL une école multi-instrumentale, je voulais profiter de cette génération de violonistes qui sont sortis des sentiers battus et ont constitué un répertoire jazz qui fait désormais partie de notre patrimoine culturel français. Il y a deux pays qui sont représentatifs du violon jazz : la Pologne et la France. Deux cultures de musiques improvisées mais avec des accents différents.

Pourquoi en France, parce que j’ai un problème avec les “Amerloques”. Ils ont tendance à tout s’attribuer. Ils ont toujours pensé que le jazz, c’était les États-Unis et maintenant ils déchantent parce qu’ils s’aperçoivent que les musiciens européens ont du style et produisent pas mal d’œuvres de qualité. Et puis, le patrimoine “violonistique” américain se repose plus sur la culture bluegrass quand en France nous avons une grande école de musique classique (l’école impressionniste, sans oublier que les grands musiciens de jazz Américains sont venus suivre les cours de Nadia Boulanger), ce qui nous donne une technique.

Quand on a une spécificité, autant s’en servir et faire école. J’ai eu beaucoup d’influences de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, donc j’ai décidé d’essayer de perpétuer cette tradition. Depuis onze ans, beaucoup de jeunes sont sortis et nous avons des exemples comme Fiona Monbet, jeune violoniste de 20 ans qui va sortir son premier disque très prochainement et qui est dans ma classe depuis l’âge de 9 ans.

Cela a été très mal accueilli. J’étais déjà un peu incontournable à l’époque dans le sens où j’avais une image d’artiste international. Quand un artiste veut se mêler de l’éducation, on trouve toujours ça un peu suspicieux et dangereux. Une certaine forme de défi et de concurrence parce que je ne voulais pas rentrer dans le moule. J’ai dû faire appel à des appuis politiques. Ils m’ont fait trainer un an avant de m’accorder une petite subvention.

“Pourquoi Didier Lockwood plus qu’un autre” et “on a déjà ce qu’il faut en conservatoires”. C’est un peu comme Alain Prost qui voulait ouvrir son écurie de Formule 1, on lui a mis des bâtons dans les roues.

La situation a évolué dans le sens où j’ai pris la vice présidence du HCEA. Ils ne peuvent pas empêcher mon école d’exister tout en me confiant cette mission.

Il y a du progrès mais je me bats quand même, nous devions rentrer dans le pôle supérieur (le diplôme supérieur…) cette année et ils ont refusé notre dossier.

Nous avons un comité de professeurs qui décide des cours majeurs et le reste est constitué de beaucoup d’intervenants qui sont des musiciens professionnels et actifs. C’est quelque chose sur lequel j’insiste beaucoup. Je ne voulais pas nécessairement de professeurs diplômés. Je veux des artistes qui jouent.

Déjà, l’industrie de la musique est un non-sens. La musique n’est pas une industrie. On parle d’économie culturelle. On ne peut pas faire l’économie de l’art.

Je pense que toute propension à vouloir rentabiliser l’art, le valoriser financièrement, est mauvaise. C’est un point de vue tout à fait personnel mais l’argent pollue l’authenticité.

Attention, l’industrie n’est faite que pour la rentabilité et les artistes qui ont accès à cette industrie dans une intention uniquement mercantile ne font pas le même métier que moi.

Si, évidemment nous l’abordons mais je commence toujours l’année avec mon speech qui rappelle aux élèves qu’ils ne sont pas là pour devenir intermittents du spectacle mais artiste. “Vous n’êtes pas ici pour devenir des participants de l’industrie de la musique mais pour devenir des artistes.” Chez moi, on parle de développement intérieur, de personnalité, de créativité, de passion, de votre entrée en musique et non pas seulement dans les métiers de la musique.

On fait venir des intervenants de la SPEDIDAM, de l’ADAMI, de la SACEM, des juristes spécialisés en droits pour expliquer comment ça marche. Expliquer les mécanisme de l’auto-production. Ce que j’essaye de dire c’est juste que la musique n’a pas pour but d’être rentable, ceux pour qui le but est de rentabiliser la musique ne font pas le même métier que moi, je le répète.

Disons qu’il y a un principe de base qui est erroné. Il est intéressant de constater que les supports on déjà beaucoup changé, le fond donc la forme avec. Il est intéressant de faire une comparaison avec les arts plastiques dont les supports se sont modernisés bien plus rapidement qu’en musique. Et ce parce que le support de la photo a été inventé avant les supports de l’enregistrement. On y pense pas souvent mais c’est ça l’histoire. Si on considère l’encadrement de ce marché de la musique, on se rend compte que les programmateurs radios par exemple, formatent de la diffusion donc le goût des gens. Auparavant nous avions des directeurs artistiques qui sortaient de la musique, aujourd’hui, ce sont des gens formés en école de commerce à qui l’on a affaire.

Ce qui importe dans toute forme artistique, au-delà de l’esthétique et de la forme adaptée à un support, c’est le support d’amour, de sincérité et d’authenticité qui est communiqué.

J’ai vu une fille il y a un an, Zaz et elle est tellement impliquée dans ce qu’elle fait que j’ai su qu’elle ferait un carton. Cette fille chanterait du Pierre Boulez que ce serait toujours aussi sincère, on peut lui reprocher son style mais sa voix et l’intention qu’elle y met est incroyablement transmissible. Je reviens d’une tournée avec Mike Stern (ancien guitariste de Miles Davis), pris entre cette nouvelle esthétique très contemporaine du phrasé, de la mélodie et du blues. Quand il joue, il est authentique parce que sa connaissance harmonique complexe moderne transcende ces extraordinaire phrases bluesy. Les gens vont essayer d’intellectualiser mais quand l’animal est là, c’est tout simplement monstrueux. L’artiste est là et pas autre part. Là est la vrai difficulté.

Peut-être est la différence entre l’artisan et l’artiste. L’artisan va bien faire la chose, l’artiste va au-delà.

L’artiste, c’est celui qui est son art. Son art est une prolongation de lui et ça fait une sacré différence. C’est ce que l’on appelle le charisme, la personnalité. La formation d’un musicien ne s’arrête pas à une formation technique, c’est une formation humaine, psychologique et c’est celle-là qui m’intéresse. Les OS (ouvriers spécialisés) de la double croche ne m’émeuvent pas, ce qui m’intéresse, c’est de sortir la personnalité d’un apprenti musicien. Le style, l’esthétique et la forme viendront tout seul et par la suite.

Le conservatoire pourrait altérer dans sa rigueur et dans sa sacralisation l’expression individuelle de la vie. On met en avant l’œuvre et le répertoire et le musicien doit être au service de cette œuvre alors que c’est l’œuvre qui devrait être au service du musicien. Surtout une œuvre écrite.

Nous avons un partenariat avec les écoles de musique de Sao Paulo et Berkley. Nous sommes l’unique école française à faire partie de ce partenariat. Il partent souvent grâce à des bourses françaises qui sont plus facilement accordées quand l’élève appartient à notre école.

Aujourd’hui, avec les pôles supérieurs, les élèves pourront profiter des Erasmus qui vont permettre à plus d’élèves de partir.

Je n’y sens rien de très personnel. On a eu de la grande création avec Debussy, Ravel, la musique impressionniste, de la grande création avec la chanson française, de la grande création avec le jazz, Django Reinhardt et Grappelli. Toutes ces créations étaient très spécifiques à notre culture.

[Pause, Mike Stern est au téléphone]

Je vais vous répondre en vous lisant un extrait du livre que j’espère sortir prochainement. C’est l’histoire d’un homme qui était trader dans une première vie et qui devient ensuite artiste photographe. L’extrait que je vous lis se situe au purgatoire et il répond à la question dans le chapitre Qu’est ce que l’art selon toi?

“[...]L’artiste comme le chercheur sont des visionnaires. Combien d’œuvres d’art furent en ce sens prémonitoires. Ceux qui travaillent dans cette démarche particulière de la pensée, de la recherche, devraient être éclaireurs de l’humanité. Ils pourraient peut-être nous indiquer un chemin moins long et moins chaotique, celui du bonheur. Malheureusement, le monde est bien trop souvent dirigé par des hommes dénués de vision humaniste, des mono maniaques du pouvoir terrestre.[...]

Le charisme de l’artiste est une des clés essentielles de sa communication. Un artiste qui en est empreint capte l’attention. Il est en quelque sorte un Merlin l’enchanteur. Son regard, son port, sa manière de se déplacer, sa voix vont définir ses notions de différence, d’extraordinaire de sensationnel que le public est venu chercher. L’artiste va y laisser sa chaire, son énergie pour se régénérer ensuite par la force du regard de l’autre et de ses applaudissements, de ses remerciements comme un effets de miroir. Alors seulement, il se sent exister et malheureusement souvent, sur exister.[...]

L’art est l’outil universel de cette communication car il nous interroge. Cela signifie-t-il que l’artiste doive adapter son œuvre pour la rendre plus accessible? Il me paraît plus juste de penser que c’est dans la volonté de donner, la charge d’amour à communiquer ou la sincérité du geste qui fondent la réussite de ce processus et cela se fait dans les deux sens. La responsabilité première en incombant bien sur à l’artiste. Celui-ci est porteur de l’objet à communiquer, il doit être lui-même soumis à la grandeur de sa mission sans toute fois devoir la sacraliser. Ce n’est pas son œuvre qu’il va offrir mais celle d’un ailleurs, qui se place entre son monde et celui du public. Réciproquement, le public, pourra, à travers le hiatus faire naître son propre ailleurs et s’y évader. Oui, c’est cela, s’évader[...]c’est le rêve qui permet aux fragments d’esprits de s’évader au-delà de notre cécité.[...]

Nous ne pouvons faire l’économie de l’art. Alors pourquoi, comme le proposait Nicolas Sarkozy dans l’esprit de la loi HADOPI, sur la protection des droits d’auteurs, vouloir lui adapter une économie spécifique?[...]

Si quelqu’un doit rémunérer l’artiste au cours du processus des services et échanges internet, ce sont les serveurs, car ces plateformes apportent aux internautes les moyens technologiques de pratiquer le libre échange, service qu’il font payer au prix fort tout en favorisant le piratage. Tant que ces serveurs n’auront pas trouvé les protocoles techniques permettant de protéger les œuvres du pillage, ils devraient s’acquitter des droits comme cela se fait depuis des décennies dans l’audiovisuel, tout comme ceux qui se cachent derrière les mots art et culture à des fins mercantiles devraient apporter leur contribution.

On pourrait alors imaginer que l’argent collecté soit équitablement réparti entre les artistes de cette industrie culturelle et ceux qui en sont systématiquement écartés. Ceci permettrait en toute solidarité à la création de s’épanouir et aux jeunes créateurs d’obtenir des subsides sous forme de commande mais aussi et surtout générer un support à l’éducation artistique pour tous. Car une bonne création nécessite un bon public.

Un système de calcul des rémunérations adapté pourrait ainsi être mis au point. Si l’art perdait ainsi de sa surévaluation financière, nous pourrions voir réapparaitre au service de la communauté des courants artistiques plus libérés s’exprimant dans une éthique conforme à ce que toute expression artistique authentique requiert mais cette solution serait un pis-aller car là où il y a de l’argent, il y a la plupart du temps absence de solidarité, d’humanité, d’intelligence. La problématique est complexe parce que la perception de l’art est subjective, immatérielle.”

La création n’existe pas pour moi. On découvre et on fait des assemblages.

Le financement de l’éducation et de la création devrait donc venir de ceux qui permettent la diffusion de la musique et ceux qui ne travaillent que pour l’industrie musicale. Par exemple, si je générais des droits, je serai taxé comme tous les autres. Un pourcentage serait prélevé aux artistes générant des droits. Moi, Beyoncé, ou Pierre Boulez.

Si nous souhaitons que l’art puisse rester dans son qualitatif un outil d’éveil des consciences, que ceux qui ne vont pas dans ce sens là, qui se servent de la musique comme un outil de manipulation des masses pour que ce soit rémunérateurs de droits, financent l’éducation des publics et artistes dont ils profitent. On sait très bien comment ça se passe dans le système de consommation.

On sait très bien qu’aujourd’hui, toutes les musiques qui sont des musiques de création, de recherche, d’expérimentation ne sont pas dans l’industrie, elles ne génèrent aucun droit puisqu’elles ne sont pas diffusées.

Le fait de former des publics au goût ferait que la musique “industrielle” devrait aussi monter son niveau puisque l’exigence du public s’élèverait elle aussi.

Une redistribution plus équitable pour l’éducation des publics, un maintien de la qualité de la musique et un support à la création. Une philosophie totalement anti-libérale.

Si l’on n’a pas l’éducation pour recevoir et l’écouter la musique sophistiquée et riche, eh bien on zappe.

Tel que je le vois aujourd’hui, on retourne à des formes primitives. Être idéaliste c’est dire ce qui serait le meilleur pour tel ou telle chose. La question est donc: qu’est-ce qui ferait en sorte de favoriser l’art pour qu’il puisse grandir? L’art ne peut grandir que si les gens à qui il s’adresse grandissent.

Nicolas Sarkozy dit qu’il faut protéger la création mais encore faudrait-il se mettre d’accord sur ce qu’est la création. Après ces bonnes paroles, il protège l’industrie musicale. Mais pour dire la vérité, il ne peut pas faire les deux. On ne peut pas protéger l’industrie musicale et la création.

C’est un problème. L’argent “valorise” tout sauf les valeurs universelles. C’est à dire que pour de l’argent, on va sacrifier de la vie humaine. Pour de l’argent, on va sacrifier de l’intelligence. Avec l’argent on maintient l’homme dans l’ignorance pour mieux le manipuler.

Quand je reçois l’ancien patron d’une grande chaine de télévision au Haut Conseil et qu’il me dit: “oui, je manipule les cerveaux car je suis une entreprise, pas une entreprise philanthropique”, ça veut donc dire que la loi du marché passe avant tout. Et si elle passe avant tout, ça veut dire qu’une société ne peut pas fonctionner en adéquation avec des valeurs humanistes.

Internet, c’est une vraie bouée de sauvetage. Puisque c’est quelque chose qui se passe d’internautes à internautes, il n’y a plus de filtre! Sauf qu’il se prépare actuellement une réelle guerre sur les protocoles de possession des filtres. Et là, les politiques émettront des lois restrictives telle HADOPI pour pouvoir contrôler le marché, faire passer leurs pubs et leurs humeurs. Il y aura guerre parce qu’il y aura une révolte. Les internautes sont, on le sait, bien plus rapides et efficaces que les équipes engagée par les gouvernements et la guerre risque d’être violente. Les protocoles techniques que les politiques tentent de mettre en place sont tout de suite déjoués par n’importe quel hacker. Tout est immédiatement piraté, c’est un jeu d’enfant pour les hacker.

Dès que les politiques touchent à cet espace de liberté, il y a tout de suite de gros remous. HADOPI représente un nerf de cette guerre qui est loin d’être terminée.

Je ne suis effectivement pas pour HADOPI pour toutes les raisons évoquées précédemment.

Mon devoir à moi, quand je suis au conseil est de tenter de sauvegarder la pratique artistique et plus encore d’encourager la formation du public. Le seul moyen est de toujours revenir sur la base de la réflexion: qu’est-ce que l’art? L’art ne doit en tout cas pas être un outil d’asservissement mais un véhicule d’élévation.

La plupart des gens veulent faire de la musique pour être riche et célèbre. Pourquoi pas, mais n’appelons pas ça nécessairement de l’art mais simplement un besoin de reconnaissance.

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Crédits photos : FlickR CC Guillaume Laurent

L’homme, affable, est relativement facile d’accès et accueillant. Du haut de son bureau du Vème arrondissement, nous abordons des sujets qui font polémique et parfois même fâchent. Si l’échange est parfois animé, M. Nègre nous assure qu’il n’est “jamais en colère, mais convaincu”.

Le parti pris de notre interview était moins de parler du livre et de l’auteur (sur lesquels vous pourrez trouver de nombreuses critiques plus ou moins élogieuses) que d’entendre les positions de l’un des hommes les plus puissants de l’industrie musicale en France. Une industrie qui, comme chacun sait, subit des mutations fondamentales.

Nous avons délibérément choisi de vous donner accès à l’intégralité de notre entretien [PDF], qui a duré près d’une heure quinze au lieu de la demi-heure initialement prévue. Preuve que même si nos avis divergent (et ce fut souvent le cas au cours de cet entretien), rien n’empêche d’échanger avec un chef d’entreprise souvent décrié.

Pascal Nègre, un homme affable

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Nous rencontrons Pascal Nègre au cours d’une semaine qui s’annonce historique pour les charts anglais. L’ancien boysband Take That, reformé et revenu à son succès d’antan, a sorti son nouvel album quelques jours plus tôt et est en passe de battre les records de ventes pour une première semaine. Il s’en est finalement vendu 520 000 en sept jours, soit la meilleure première semaine depuis Be Here Now d’Oasis en 1997… un jackpot pour Universal, la maison de disques du quintette britannique. C’est un beau prétexte pour interroger leur patron sur cette différence notable entre anglais et français: pourquoi ceux-ci achètent-ils toujours autant de disques ? 

Les anglais ont une relation totalement différente à la musique. Posséder de la musique est quelque chose de culturellement fondamental.

“Alors évidemment après il y a des débats mais pourquoi ? Ça n’est en tout les cas pas parce qu’on a loupé quelque chose puisque c’était le cas dans les années 60, dans les années 70 et ainsi de suite. J’ai souvent abordé le sujet en demandant pourquoi. Certaines personnes ont une analyse assez originale qui consiste à dire que le 45 tours était un support surpopulaire en Angleterre dans les années 60, tandis qu’en France c’était un support acheté par les classes moyennes. Alors j’en rajoute un peu et je n’aime pas ces termes, mais la musique, c’était vraiment un truc de prolo en Angleterre. En France, ceux qui achetaient un 45 tours étaient dans la classe moyenne.

L’autre argument étrange consiste à dire qu’en France, nous avons toujours eu besoin pour développer des carrières d’artistes, d’avoir des textes alors qu’en Angleterre un ‘love me yeah yeah yeah’ on s’en fout complètement pourvu que ça bouge. La mélodie est plus importante.”

Certes, mais on peut s’interroger sur le virage du numérique, largement pris par nos voisins d’outre-Manche (et d’ailleurs), mais plus poussif chez nous. Monsieur Nègre ferait-il preuve de mauvaise foi lorsqu’il évoque “la taille du gâteau” pour expliquer les différences de chiffres entre les deux marchés ? Certainement. On ne saurait trouver satisfaisant le fait de vendre 7000 ou 8000 titres quand on est en pôle position des classements quand dans d’autres pays aux marchés comparables au notre le numéro 1 des charts réalise 100 000 ventes hebdomadaires.

Logique donc d’évoquer un thème que nous avons déjà largement abordé sur OWNImusic : l’éducation musicale. On pourrait imaginer que les patrons de majors prennent conscience qu’avec un système d’éducation musicale plus efficace, ils pourraient profiter d’un public plus cultivé, demandeur de musique et bénéficier ainsi d’un vivier d’artistes plus compétents. Pascal Nègre développe son analyse de l’environnement culturel dans lequel il évolue:

“Là, c’est un long combat et pourquoi [...] ? Eh bien parce qu’en France, le culturel, (ça veut dire le respectable) c’est évidemment la plupart du temps le livre. Et la France est un pays d’écrivains. Ensuite, c’est le film. Parce qu’historiquement la France, à juste titre d’ailleurs, depuis le Front Populaire, a mis en place des systèmes d’aide au cinéma pour que le cinéma français existe. Dans la musique, le culturel, c’est la musique classique. Je me rappelle de mes cours en cinquième ou sixième où on nous faisait écouter les grands œuvres classiques, ce qui est très bien d’ailleurs. Mais voilà, en Angleterre, les Beatles font partie du patrimoine, c’est aussi important que pour nous Victor Hugo. Mais alors là mon pauvre, pour changer les mentalités, y’a du boulot.”

L’analyse étant plutôt pertinente, nous osons interroger notre interlocuteur sur la possibilité pour les industriels de la musique de participer à l’amélioration du système de l’éducation musicale en France (voir notre entretien avec Didier Lockwood). “Alors on peut dire avec notre petit niveau ‘faites des efforts’…mais alors là… [...] J’explique dans mon livre que notre poids économique est faible [...]”.

Pascal Nègre est PDG de maison de disque et non conseiller du ministre de l’Éducation Nationale, il est bien plus loquace sur les thématiques orientées business. Nous abordons alors les sujets qui nous animent chez OWNImusic, parmi lesquelles le marketing et la monétisation à l’heure d’Internet. En commençant par le concept du “pay what you want” (ou prix libre), le chef d’entreprise se réveille : “ça ne fait pas rêver”, nous dit-il lorsque l’on prend l’exemple, pourtant positif, du groupe anglais Radiohead.

Moi je pense que la “vraie” révolution de la distribution numérique c’est l’abonnement.

“Donc à partir de ce moment là, le Pay What You Want n’a même plus de sens parce qu’en fait c’est, “paie un accès à tout ce que tu veux”. Ce n’est plus “tu paies pour telle création”, mais “tu paies pour avoir accès à toutes les créations et tu prends ce que tu veux”. Ça c’est le premier point, et le deuxième point qui est intéressant pour moi avec l’abonnement et en particulier avec tout ce qu’est en train de développer Spotify, c’est l’échange des playlists et donc c’est le partage, qui était la deuxième idée. La musique, c’est l’écouter et la partager.”

Alors que le peer-to-peer remet en question la notion de partage depuis une dizaine d’années, que signifie “partager” selon Pascal Nègre ? Il est assez clair que cela n’a rien à voir avec une idée d’échange à l’infini entre internautes consentants:

“Quand on partage, c’est volontaire. Je vais partager mon dîner avec vous et j’en suis ravi. Si vous déboulez chez moi et vous vous asseyez à ma table alors que je ne vous ai pas invité alors là, ça ne s’appelle pas du partage. [...] Ensuite [...], et c’est sûrement mon côté égoïste, mais je partage avec les gens que je connais. Donc [...] avec le Peer to Peer vous ne partagez pas.”

On est donc tenté de nuancer ce concept de partage et de le reconsidérer au côté de la notion plus appropriée de recommandation. Ce que M. Nègre lie à ce qui constitue pour lui l’avenir de la musique enregistrée : l’abonnement aux services de streaming. “(…) Moi, ce que j’aime, parce que dans les propositions d’abonnements (n’oubliez pas que ce marché digital il est tout jeune, il est tout petit) c’est que c’est prévu. C’est à dire que vous pouvez vraiment partager. Vous échangez des playlists et là, pour moi, il y a une notion de partage.”

On en vient enfin à saisir la vision de l’homme d’affaires sur le futur de son secteur. Comme si la bataille de la vente de musique en tant que produit d’appel était presque perdue, il nous explique:

[mon] métier aujourd’hui, c’est de vendre des disques et des téléchargements. Demain, ce sera que ce soit écouté.

La nuance n’est pas insignifiante, puisqu’elle induit la nécessité d’une réelle réflexion stratégique dont on peut douter que les majors aient pris la mesure.

“on a une image d’hommes préhistoriques, alors qu’on est à l’inverse des pionniers, c’est à dire qu’on est les premiers à avoir essuyé les plâtres, qu’on est en train de travailler, de trouver les modèles, à la fois de ‘comment je vais vendre, comment je vais diffuser et monétiser’, parce qu’on a besoin de ça, et parallèlement à ça, on est d’une modernité absolue dans la manière dont on travaille aujourd’hui, le community management… Pour vous dire, ça fait un certain nombre d’années que ça existe chez nous, comment on travaille, comment on crée des blogs, comment on fait monter la sauce…”

Pas franchement convaincus malgré la verve certaine de notre hôte de la matinée, nous continuons à croire que les majors tâtonnent encore dans leur appréhension du digital, plus de dix ans après l’apparition de Napster et consorts. Si les initiatives valorisant les contenus (telle la web TV “OFF”, lancée par Universal cette année, qui propose du contenu exclusif de ses artistes) commencent à apparaître, elles restent des initiatives isolées et bien tardives. La justification de ce retard, si elle peut sembler sincère s’avère quelque peu maladroite :

Créer des contenus, c’est facile, mais si à un moment je crée des contenus et que ça me coûte une fortune… [...] Effectivement, Off c’est peut être pas très original mais j’ai l’impression qu’on est les premiers à faire ça…

Si nos avis respectifs divergent quant aux nouveaux usages, nous restons persuadés que la notion de monétisation, et par là-même la rémunération des artistes et le maintien d’une réelle économie autour des contenus culturels, est le nerf de la guerre dans ce débat.

Sur le chapitre primordial de la monétisation des contenus et de la rémunération des ayant-droits, M. Nègre s’inscrit en farouche opposant à la licence globale. “Il y a deux raisons. D’abord, en tant que citoyen, je ne vois pas pourquoi on me taxerait alors que je n’écoute pas de musique [...]”

“Deuxième raison : ca favorise qui ? Les gros. Alors vous allez me dire, ‘vous êtes complètement crétin, vous êtes la plus grosse maison de disque avec les plus gros artistes, vous pourriez en profiter’. Oui, mais non. Parce qu’on est le premier producteur de musique classique dans le monde, premier producteur de jazz dans le monde, on est le plus gros producteur de nouveaux artistes dans le monde. On est la maison de disque, en France et à l’international qui signe le plus de nouveaux artistes.” Ici, M. Nègre fait allusion au système de répartition des revenus liés à l’exploitation de la musique, qui, dans le cadre d’une licence globale, s’effectuerait par le biais de sondages effectués auprès des internautes. Nous ne pouvons nous empêcher de constater que la répartition actuelle des droits perçus auprès des radios et autres usages publics sont approximatifs et dépendent largement de la bonne foi des déclarants.

Allez, accordons tout de même au patron l’intention “louable” de maintenir un certain niveau de diversité au sein de sa major. Croyez-le ou pas, Universal ce n’est pas que les vaches à lait de type Black Eyed Peas ou Mylène Farmer :

Chez nous et il y a pleins de disques qu’on vend à trois-cents exemplaires et j’en suis très fier parce que ça fait partie de mon travail éditorial, c’est à dire de position par rapport à la création, à la culture… et la culture c’est la diversité.

On entend souvent que les revenus générés par le live constituent une planche de salut pour les artistes. Pourraient-ils alors envisager de délaisser les enregistrements studio, et, cassant le modèle traditionnel, se contenter de tourner sans fin pour aller chercher l’argent là où les consommateurs veulent bien encore le mettre, sans possibilité de piratage ?

Évidemment nous nous devions d’évoquer l’HADOPI, qui même si elle n’est pas le fait des seules majors, ne pouvait être ignorée dans cet entretien. La loi, dont on ne peut objectivement pas mesurer les résultats pour le moment, et au moment où les plateformes légales développées en parallèle commencent à faire leurs preuves, constitue l’un des sujets que Pascal Nègre a incarné en raison de sa position tant professionnelle que médiatique. M. Nègre commence par une mise au point sur la genèse de la loi :

“Excusez-moi mais HADOPI, ce ne sont pas les majors. Ce sont des députés, des sénateurs qui ont mis deux ans pour la voter. Parce qu’entre les accords de l’Elysée, c’est logique, il n’y a pas que la musique, il y a le film, le cinéma, la télé et excusez moi mais les fournisseurs d’accès aussi sont comptés dans cette liste. Donc voilà, premier point. Deuxième point, l’HADOPI, c’était l’idée que l’Etat officiellement dise ‘attention, pirater, ce n’est pas légal.’ C’est un point qui est important et visiblement, il y a des gens qui l’ont entendu. Il s’agit, à un moment, de dire ’si vous voulez que la création existe, il faut qu’elle soit financée et à un moment, aller pirater, c’est pas terrible’.”

Ainsi que nous nous y attendions, il nous prône la dimension pédagogique de la loi. Celle-ci s’attaquant avant tout aux réseaux de peer-to-peer, des moyens de piratage déjà obsolètes, détournés voire supprimés (dans le cas de Limewire par exemple), la légitimité d’engager de telles dépenses aux frais du contribuable est-elle vraiment justifiée ?

“Dix millions, vous trouvez ça beaucoup pour sauver une industrie dans laquelle 75 000 français travaillent ? (…) [Il y a] cinq millions de personnes qui travaillent dans le milieu culturel en Europe. Cinq millions de personnes qui sont liées à la création de contenus, c’est gigantesque. Et se poser la question de la piraterie c’est aberrant ? Non, ce n’est pas aberrant. (…) Moi je vois de la pub en permanence sur l’artisanat donc voilà, ça ne me choque pas de voir de la pub sur “attention, la création a un sens, elle a une valeur”.

Cette somme n’aurait-elle pas pu être investie dans l’innovation technologique, servir à développer des services légaux appropriés, qui dès qu’ils sont suffisamment qualitatifs et adaptés aux usages, détournent automatiquement les éventuels “pirates” des téléchargements illégaux ? La réponse fuse :“Je veux bien que l’État finance de l’innovation technologique et je trouve ça très bien. Mon angoisse, c’est que malheureusement, l’innovation technologique ne vient pas de chez nous.” (…) Quand vous voyez que vous êtes sur Deezer, sur FNAC.com et Itunes.com en France, et qu’il y en a un qui n’a pas le même taux de TVA que l’autre…” L’innovation technologique n’est en effet pas taxée aux États-Unis comme elle l’est en Europe.

Nous avons rapporté ici les points fondamentaux de notre long entretien avec Pascal Nègre. Nous vous invitons à en lire la retranscription complète [PDF].

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Interview réalisée et éditée par Lara Beswick et Loïc Dumoulin-Richet.

Illustrations CC FlickR par Jonathan_W, Beverly & Pack,Steve.M~, ottonassar

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“Il faut reconnaître que nous avons un réel retard sur nos voisins dans le domaine de la pratique et de la culture musicale” Christine Albanel.

Ce retard, même avec une première dame musicienne, n’a pas l’air de préoccuper monsieur.

“Le français n’est pas une langue qui chante.”

“Tais-toi, tu chante faux.”

“Un peu de silence s’il vous plaît, il est 22 heures.”

“Ah, c’est un artiste…”

Tant de réflexions qui contribuent à perpétuer une culture sans son ou du moins, produisant peu de musique de qualité. Les bienfaits de la musique ont pourtant été démontrés par diverses études mais la tradition fait qu’on continue de la dénigrer.

Je suis agacée par ce manque de considération qui conduit nos artistes à s’expatrier et nos enfants à se taire. J’ai moi-même passé une partie de mon enfance en Angleterre. Je me souviens des cours de musique et surtout, je me souviens de la joie que nous éprouvions moi et mes petits camarades lors de ces cours. Quand, à l’âge de 7 ans, j’ai déménagé avec mes parents en France, la musique n’était pas du tout perçue de cette manière par mes nouveaux amis. J’ai peu de souvenir du contenu de mes cours en Angleterre et aucune étude n’a été effectuée sur moi pour que je me rende compte de ce que cette pratique m’a apporté mais je me souviens clairement de cette sensation de bonheur partagé.

En France, en revanche, je me souviens de la souffrance éprouvée lorsqu’on essayait de m’apprendre qu’une boule noire surmontée d’une barre était une noire et qu’il y en avait quatre comme celle-ci dans une mesure à quatre temps. Ensuite, au collège, des profs débordés par le son des pipos (flûtes à bec) dont l’apprentissage donnait lieu à une cacophonie insupportable et ingérable.

Pourquoi tant d’enfants détestent-ils la pratique musicale et tant d’adultes en garde de mauvais souvenirs ? Pourquoi, malgré les sommes considérables attribuées par l’État au développement de cette discipline, la France garde-t-elle si peu de musiciens de niveau international ? Je pense que l’Éducation nationale pourrait faire mieux pour nos enfants. Je crois que cette première approche de la musique mériterait plus de soin et d’attention. D’abord parce que l’apport de cette discipline va au-delà de celui d’une simple activité ludique et parce que ce retard dont Christine Albanel parle existe bel et bien ce qui crée un réel vide, pour ne pas dire manque dans l’héritage culturel que nous laissons à nos enfants.

En quoi l’apprentissage de la musique est-il indispensable à notre éducation ?

Si certaines personnes, chargées de rendre son importance à cette discipline me lisaient, ils me répondraient sûrement que place, considération et moyens financiers ont été donnés. Mais l’Éducation nationale, en rendant la musique obligatoire dans les filières générales, a surtout réussi à s’en débarrasser. Pourtant la musique, cette activité que l’on place entre 4 et 6 pour divertir les enfants lorsque leur quota de concentration est dépassé, est essentielle à notre éducation.

Dès l’Antiquité, de façon intuitive, Platon parle de musique dans des chapitres entiers de La République. Il évoque avec insistance la dimension sociale de la pratique musicale. Si les études sur la cognition ne convainquent pas nos élus, elle peut au moins admettre que la pratique musicale oblige à sentir de la même manière, à partager les mêmes

impressions. Elle permet “d’adoucir les moeurs”, de tempérer les passions haineuse ou de les amplifier, de rapprocher ou d’éloigner les hommes par un plaisir commun et cette puissance publique devrait s’étendre et être considérée par l’éducation nationale. Le rapport qu’elle crée entre la sensibilité et l’intelligence est unique et il est regrettable que nos responsables politiques préfèrent les actions aux effets immédiats plutôt que de faire l’effort de considérer une activité qui demande certes, temps et réflexion mais aux effets considérables et non négligeable à long terme. Si l’on souhaite rendre la France plus musicienne, il est évident qu’une sensibilisation massive à la musique doit être mise en oeuvre.

De nombreux chercheurs, souvent neurologues, scientifiques, sociologues et musicologue se sont penchés sur le mystère de la musique et ses bienfaits. En janvier 2007, un symposium européen se tient au Centre George Pompidou à Paris,  sur l’évaluation des effets de l’éducation artistique et culturelle. L’évaluation demeure complexe et la méthodologie utilisée demande une certaine concentration mais les résultats des expériences menées méritent qu’on y prête attention. Concernant la musique, plusieurs expériences ont été menées qui démontrent que l’apprentissage de la musique améliore le raisonnement spatio-temporel. Les personnes possédant cette forme d’intelligence particulièrement développée deviennent souvent architecte, sculpteur, ingénieur, designer, peintre, mathématicien, physicien…et musicien.

Une études menée en 1990 a testé trois groupes d’enfants de trois écoles maternelles. L’un prenant des cours de piano couplé avec des leçons de chant choral, l’autre une initiation à l’informatique et le troisième ne suivant aucun enseignement spécifique. Si aucune disparité n’a été observée au test initial, au test final, les élèves du groupe de musique ont obtenu des résultats significativement plus élevés que ceux des groupes témoins lors de l’exercice mettant en jeu le raisonnement spatio-temporel (assemblage d’objet).
Une étude plus récente a montré que des enfants de maternelle (5 ans) qui bénéficiaient de cours de piano en groupe avaient de meilleurs résultats aux tests de raisonnement spatio-temporel. Cette expérience là, a démontré que les effets de l’apprentissage n’entraînaient pas d’effet à long terme, ce qui signifierait que la formation doit durer un certain temps pour produire des effets durables sur la cognition spatiale. Les élèves ayant étudié pendant quatre années consécutives (jusqu’au CE2) ont obtenus des résultats 52% supérieurs à ceux qui n’ont commencé qu’en CE1. Cela confirme donc aussi la thèse qu’il est important de commencer l’apprentissage très tôt.
Les musiciens, font preuve d’une meilleure synchronisation que les non-musiciens.

Depuis des dizaines d’années, on parle de similitudes entre la musique et les mathématiques. La pratique d’un instrument renforce un certain nombre de capacités cognitives, dont les facultés auditives, visuelles et motrices. La reconnaissance des mots, l’orthographe, les principes de base des mathématiques, l’attention, la concentration et discipline. Head Start est un programme du Département de la Santé, de l’Éducation et des Services sociaux des États-Unis, il a démontré que des progrès importants dans les tests languagiers sont observés chez les élèves pratiquant régulièrement une activité musicale.
Des études ont montré que des expériences musicales bien conçues pouvaient avoir des effets positifs sur les résultats scolaires. La musique contribue au développement mental, aux capacités d’apprentissage et à la socialisation des apprenants. Il est aussi noté une amélioration en terme de confiance en soi des apprenants, ce qui mène souvent à des tests positifs.
L’ACER (Australian Council for Education Research) compare les résultats d’élèves de CM1 suivant un enseignement artistique et pas. Les élèves pratiquant une activité artistique obtiennent des résultats nettement meilleurs en lecture, calcul, écriture, résolution de problèmes, planification et organisation, communication et travail en équipe.
Une autre étude menée dans plusieurs établissements en Australie (Mc Curry, 2003) observe que les élèves pratiquant régulièrement une activité musicale s’améliorent sur de nombreux points : la communication orale et écrite, le raisonnement logique et interprétatif, les aptitudes à la planification et à l’organisation (la musique conduit à prendre une décision toutes les deux secondes), la compréhension d’autrui et le travail en équipe, l’esprit d’initiative, l’approche des apprentissages et de la technologie.

Ce symposium s’est conclu en deux points. Les améliorations obtenues par la pratique musicale sont bel et bien existantes mais les chercheurs s’accordent pour dire qu’il existe sûrement un moyen plus efficace et moins coûteux pour améliorer les capacités spatio-temporelle de nos apprenants. Il en existe peu cependant qui puisse agir sur une aussi large palette de compétences. Les scientifiques relèvent que les travaux sur les liens entre l’éducation musicale et les performances cognitives doivent se poursuivre car en négliger les effets reviendrait à passer à côté d’applications potentiellement importantes dans le domaine de l’éducation.

Plus que les arguments scientifiques, voici peut-être la seule vraie raison d’enseigner la musique, évoquée en conclusion de ces observation lors du symposium:

Si l’on fait place aux arts dans nos écoles sous prétexte qu’ils sont source de progrès scolaires, les arts perdront rapidement leurs statut dès lors que les progrès attendus ne surviendront pas. La seule justification des arts, c’est qu’ils enseignent ce qu’aucune autre matière n’est en mesure d’enseigner.

Lois Hetland et Ellen Winner

Malgré toutes les études effectuées, la place que doit avoir l’éducation musicale reste donc imprécise. Faut-il considérer la musique comme un complément à la formation générale ? Comme une sorte de “supplément d’âme” ? Ou bien faut-il envisager sa pratique comme l’une des composantes essentielles de la formation générale ?

L’éducation musicale a souffert et continue de souffrir d’un déficit de considération, d’un manque de légitimité éducative. Cette soif de légitimation attend beaucoup trop de l’évaluation de ces effets. A-t-on jamais vu que les mathématiques doivent produire un certificat en « éducation à la citoyenneté » avant d’entrer à l’école ?
Il serait légitime de s’interroger sur les valeurs qu’incarne une politique ; le statut accordé à l’artiste au sein d’un pays et la place qu’occupe l’histoire de l’art et de la culture. Toute éducation demande du temps, et l’éducation musicale ne peut s’accomplir que dans la durée.

Preuves et moyens financiers sont là, d’où vient donc ce retard ?

On ne peux faire état de cette discipline sans un minimum de connaissances historiques et culturelles. J’ai interrogé plusieurs professeurs de musique et à plusieurs reprises, j’ai entendu cette remarque « tout passe par la voix ». Or, il faut savoir que la Révolution française a produit un effet non négligeable sur l’apprentissage du chant en interdisant la pratique du chant polyphonique dans les églises pendant près de trente ans. La musique à vocation patriotique, jouée principalement par des instruments à vent devient alors le plus grand employeur de musiciens. L’interdiction de la chorale eut pour effet de couper une première fois nos concitoyens de leur patrimoine vocal religieux. Une multitude de traditions locales, religieuses ou populaires sont considérés comme nuisibles à la révolution et à l’unité de l’État. La tradition orale de nos régions se fait oublier au profit d’un patrimoine musical d’État, ce qui entraîne progressivement la perte du chant en famille. Les pays scandinaves, qui ont conservé leurs traditions et folklore sont, de fait, des pays plus « chantants ». Le travail vocale participe également considérablement à l’apprentissage des langues et sa dimension ludique permet aux enseignants de faire appel à de nombreux chemins pédagogiques.

En 2006, 13.784 chorales sont recensées en France, on peut donc considérer que la pratique chorale est largement répandue dans les écoles primaires mais qualitativement, deux problèmes subsistent. L’organisation des chorales se fait de façon plutôt désordonnée, induisant un manque d’efficacité dans la pratique. L’absence d’instructions claires de la part du ministère en sont la cause. En effet, pour écrire cet article, j’ai cherché les textes de lois ou programmes émis par le ministère de l’Éducation. Ne trouvant rien de précis et concret, je me suis tournée vers les professeurs, à qui on laisse plus ou moins l’initiative de construire leurs cours sans cadre fixe.

La dernière réforme concernant l’éducation artistique et culturelle a été diffusée en 2009, elle laisse plus de place pour le chant, encourage les enseignants à introduire l’histoire de l’art et des outils sont mis en place pour obliger les enseignants à diversifier le répertoire travaillé en cours. A-t-elle eu des répercutions concrètes au quotidien ? Voici la réponse la plus positive que j’ai eue : “Non, pas vraiment, mais c’est tout de même bien vu et très intéressant. Ce n’est pas une révolution mais une belle et bonne base pour savoir où l’on va.” On pourrait en conclure qu’il n’y a ni programme clair et surtout, aucun contrôle des acquis. Les professeurs de musique que j’ai interrogés sont souvent des pédagogues passionnés et engagés, travaillant dans des contextes parfois difficiles et n’ayant souvent pas eu la chance d’être suffisamment préparés à leur métier. À ce sujet, je rappelle que dans les années 50-60, par manque de moyens, la musique était enseignée par des professeurs d’autres disciplines, contents de pouvoir compléter leurs heures dans un même établissement plutôt que de devoir se déplacer, ce qui, comme vous pouvez l’imaginer, produisit un sérieux tort à la discipline.

Je ne m’attarderai pas plus longtemps sur les innombrables failles que comporte la mise en place d’une telle éducation dans notre système (flûte à bec comme instrument principal, écoute d’œuvres inappropriée ou inaccessible sur des postes de mauvaise qualité, une étude théorique sans approche pratique, accès aux œuvres mais peu aux créateurs, manque de pédagogie de projet…). Des ouvrages ont été écrits à ce sujet et je vous recommande de vous y plonger car ils méritent considération. Je me permet cependant de m’attarder sur une notion qui me tient à cœur plus particulièrement car elle perdure jusqu’à l’âge adulte et trompe nombre de musiciens professionnels actifs en France.

L’idée préconçue que j’évoque est celle de la séparation des genre. Cette obstination qu’ont certains à cultiver ce mythe qui dit que la Grande musique n’a rien à voir avec les musiques “tam tam” que nos jeunes subissent aujourd’hui. C’est d’une banalité et d’une bêtise… Pourtant, à force d’insister, cette théorie commence à devenir réalité. En ignorant les musiques dites “actuelles”, nous ne permettons pas à nos jeunes de faire des rapprochement entre les styles et l’écart musical qu’il existe entre les deux genres s’agrandit. Les musiques actuelles en effet sont de plus en plus homogènes, sans grand intérêt techniquement et les interprétation sont de plus en plus ternes, sans réelle identité musicale ou subtilité d’interprétation.

Pourtant, sachez que cette musique tam tam est parfois d’un réel intérêt et qu’il est assez évident de faire des rapprochements entre les différents genres classiques et ceux modernes, le rock, le hip hop, l’électro, la transe, la variété…ou le tam tam. Par exemple, la basse continue, souvent identifiée dans le rock, est très proche du système de basse continue utilisée dans le baroque. France H. Rausher note que le travail sur la mélodie et l’harmonie est central, mais qu’il doit être complété par l’acquisition du rythme (hum hum…) et quoi de mieux que la spontanéité et la diversité des musiques actuelles pour découvrir diverses structures et laisser place aux surprises rythmiques ? Nombreux sont les jeunes autodidactes qui utilisent des techniques poussées pour créer des musiques qui leur sont proches.

À certaines conditions, ces musiques d’un nouveau genre peuvent trouver un lien avec l’enseignement musical inculqué au collège et au lycée. Musiques actuelles et musique classique font partie de la même sphère et ne sont pas si éloignées que voudraient le faire croire les ignorants, les nostalgiques, les flemmards ou les peureux. Une pédagogie (sentir, comprendre puis apprendre) d’un nouveau genre est à réinvestir. Les possibilités que proposent l’harmonie sont infinies et elle doit être perçue et utilisée par tous les genres, exploitée dans tous les sens.

Mais que faire ?

Je ne me permettrai pas d’élaborer ici un programme musicale pour  l’éducation nationale car des ouvrages entiers fait par des professionnels proposent des solutions et détaillent le fond des problèmes. Indiquons à titre indicatif les principales pistes :

-un apprentissage régulier dès le plus jeune âge.

-un apprentissage du rythme de la mélodie et de l’harmonie qui passe par la voix, instrument premier des hommes.

-l’abandon de la flûte à bec qui pour dire vrai, est un instrument difficile à maîtriser.

-l’élaboration d’une harmonie à double sens

-une approche par tous les styles

-plus d’heures accordées par l’Etat à cette discipline

-accompagner ces changements de recherches qui puissent optimiser l’efficacité de l’enseignement.

Pour un étude plus approfondie, je vous recommande :

Évaluer les effets de l’éducation artistique et culturelle. Symposium européen et international de recherche, Centre Pompidou, La Documentation française, juin 2008

Ecoutez, c’est tres simple , Pour une autre éducation musicale, Marc-Olivier Dupin, 2007

Enfin, certains connaisseurs me diront que c’est un #oldlink mais qui entre hélas dans un débat encore d’actualité :
leur nom n’a jamais été mentionné aux Victoires de la Musique, ils ont pourtant gagné un Grammy Award du meilleur album de musiques alternatives le 31 Janvier 2010 pour la 52ème cérémonie des Grammy Awards aux États-Unis. Ici, un professeur de primaire fait interpréter le titre “Lisztomania” de Phoenix à ses élèves :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Liens et lectures:

http://www.culture.gouv.fr/culture/actualites/politique/education-artistique/educart/biblio.htm

L’éducation artistique et culturelle à l’école en Europe, Commission européenne, octobre 2009

L’enseignement de la musique en france: situation, problèmes, réflexion, Gérard Ganvert, 1997

L’art d’apprendre à ignorer, Xavier Darcos, 2003

Musicophilia: le cerveau et la musique, Oliver Sacks et Christian Cler, 2009

Percevoir la musique, une activité cognitive, Pineau et Tillman, 2003

L’éducation musicale: une pratique nécessaire au sein de l’école, Brigitte Soulas et Gérard Vergnaud, 2008

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Crédits photos CC FlickR weperruper t_lawrie cristiano_betta rosipaw